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<正>大英博物馆招募专家追查遗失文物|大英博物馆正在寻求经验丰富的“寻宝”专家，协助追查近年从馆藏中失踪的数百件希腊罗马文物，这些文物很可能是被内部员工盗走。该机构希腊罗马藏品部主管汤姆·哈里森（Tom Harrison）表示，他希望聘请专人负责“向全球各地的文物商、拍卖行及收藏家发函”，尽快追回文物。2023年，大英博物馆因一起丑闻登上头条：馆藏约1500件文物—包括黄金首饰、宝石及可追溯至公元前15世纪的玻璃制品—在数年间神秘消失。失窃事件曝光后，时任馆长哈特维格·费舍尔（Hartwig Fischer）提前离职。
<正>灯具“QB1”由设计师菲利普??塔贝（Philippe Tabet）为路易莎??德莱??皮亚内画廊打造的灯具，以传统工业及户外场景常用的工业舱壁灯为灵感，既保留了传统舱壁灯的核心元素，又通过当代设计语言创新，呼应了设计师过往对“面具与面部类型学”的探索。
<正>捷克|博若瓦·拉达小屋Ply??事务所翻新了位于捷克共和国波西米亚森林边缘的一座19世纪的小屋，修复了其原始的石头和木质结构，并添加了胶合板、混凝土和纤维水泥等。这些材料暴露在外，是为了特意突出建筑历史的不同层次。
<正>乌兹别克斯坦首届布哈拉双年展于不久前盛大启幕，这场为期10周、气势恢宏的文化盛宴，已然成为中亚地区迄今为止规模最大、内容最为丰富的艺术盛事。来自六大洲39个国家的200多位艺术家齐聚乌兹别克斯坦，共同创作了70多个特定场地项目，以一场盛大的协作、工艺与探索庆典，惊艳亮相。
<正>你有没有在博物馆里，对着一只宋朝的素色瓷碗发过呆？它没什么花纹，颜色也淡，但就是让你挪不开眼。又或者，站在一幅巨大的油画前，画里空荡荡的，只有地平线和微光，心里却好像被填满了。这就是“空”的魔力。它绝非一无所有，而是一种充满可能性的状态，一份引导观看者深入其中的邀请函。在东方，这“空”里，装着山水，也载着宇宙的呼吸，源于古老的哲学沉思。有趣的是，在地球另一端的欧洲，艺术家和设计师们也开始迷恋上这种“少即是多”的意境，只是他们的路径，充满了理性的光辉与现代的宣言。从东方的禅意庭院到西方的钢管座椅，“空”这根线，如何牵起了截然不同的文明？本期特稿，将从艺术与设计的不同维度来探讨“空”，并追溯其在东西方文明中截然不同却最终交汇的演变轨迹，从古典哲学的土壤到现代主义的萌芽，探寻这一跨越千年的美学概念，如何成为连接不同文化的视觉语言。
<正>我们栖居于一个视觉喧嚣的时代。信息如潮水般漫溢，符号竞相争艳，在无尽的嘈杂中，一种懂得沉默的设计反而能脱颖而出，直抵观者心灵的幽静之处。这种沉默，在设计语汇中被称为“留白”。它绝非空洞的剩余，而是一种主动的赋形，一种以退为进的智慧。恰似枯山水庭院以砂石围合出的冥思场域，平面设计中的留白，亦是为观者开辟出一片可与作品深层对话的心理空间。它调控视线的流速，厘清信息的秩序，让核心意象得以从容凸显。
<正>方、圆、三角，听起来像是孩童积木盒里的全部家当。但在设计师手中，这些最基本的几何图形，却成了构建万千世界的终极密码。它们摒弃了繁复的装饰，直指事物最核心的形态与结构。这种“几何化”的设计思维，并非为了制造冰冷与距离，恰恰相反，它是在一片澄澈的“空”中，为功能、情感与想象开辟出最自由的疆域。当设计回归到点、线、面这些原点，它反而获得了最强大的表达力与普适性，无论是照亮空间的灯具，还是抚慰心灵的诊所，抑或是记录情感的日记，都能在几何的秩序中找到独特而深刻的叙事语言。
<正>在色彩泛滥的视觉时代，选择只用一种颜色，近乎一种叛逆。这并非调色盘的贫瘠，而是一场深思熟虑的“色彩罢工”。当设计剥离了纷繁的色相，将色彩的数量及变化降到最低，其目的恰恰是为了传递更为深入的心理情绪。单色策略迫使观者忽略表面的视觉愉悦，转而聚焦于形式、质感与内容本身，从而建立起更直接、更深刻的情感联系。它用极致的克制，讲述着最丰富的故事。无论是宣告品牌的绝对个性，还是营造沉浸式的叙事氛围，单色都以其纯粹的力量，成为一种不容置疑的视觉宣言。
<正>初衷:以展会驱动的法国国家设计战略1925年在法国巴黎举办的装饰艺术与现代工业国际博览会(l'Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes),是法国对自身设计文化反思和战略性重塑的标志性事件。它旨在重新确立其设计强国的地位,回应工业时代的技术、审美及生活方式的变革。
<正>“装饰艺术运动”在20世纪上半叶随着商业设计的风潮而席卷全球，并通过东西方艺术的交汇与人员的流动在中国的沿海城市产生了富有本土特征的反响。时至今日，从欧美到亚洲各地，人们仍然可以清晰地看到20世纪众多具有“装饰艺术运动”风格的设计遗存，并且深受当下人们的喜爱。其中，中国与“装饰艺术运动”的联系十分独特。中国传统工艺美术不仅是法国“装饰艺术运动”中优雅异国情调形成并大受欢迎的灵感源泉，这一运动在当时的中国也成为了风靡一时的设计时尚潮流。特别是在20世纪上半叶的中国沿海地区，对“装饰艺术运动”的接受尤其直接且广泛。从建筑设计到室内装潢﹑家具﹑日用品等，均可看到“装饰艺术运动”风格的特征。
<正>2025年9月，巴黎装饰艺术博物馆举办大型历史性展览《装饰艺术百年》（1925-2025 One Hundred Years of Art Deco），以纪念1925年巴黎国际现代装饰及工业艺术博览会（Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes）召开百年。2026年下半年，博物馆还将在永久收藏展区中开设专门的“装饰艺术”主题展厅，以进一步呈现这一风格的历史脉络与文化影响。如今回望百年前的巴黎，虽然当时的“装饰艺术”还是一个模糊多义的概念，但在其后的一个世纪中，“装饰艺术”为现代生活提供审美底色，其内涵与边界也开始逐渐清晰。
<正>1925年4月到10月,装饰艺术与现代工业国际博览会(l'Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Industriels Modernes)在巴黎举办,这场影响广泛的国际性设计运动席卷了欧美各国,“装饰艺术运动”(Art Deco)即由此得名。2025年的金秋,巴黎塞纳河畔的古老建筑与流光溢彩的现代装置交相辉映,共同纪念一个世纪前这场定义了美学领域“现代性”的盛会。为了纪念装饰艺术运动诞生百年,巴黎举办了一系列的展览和活动,如“1925-2025:装饰艺术百年”(1925-2025.One Hundred Year of Art Deco)、“巴黎1925,装饰艺术之都”(Paris 1925:Art Deco and Its Architects)等,并在特定周末设立“装饰艺术建筑遗产开放日”。此外,多个文化机构和组织推出了专门的“装饰艺术步行路线”,带领游客探索特定区域的经典建筑。
<正>在这个看脸的时代，有太多书籍装帧设计考虑的是如何让消费者为“美”买单；在这个数字阅读席卷的当下，实体书籍正经历着一场无声的考验。然而，总有一群设计师关注人本身，关注我们的生存环境，用巧思与匠心，让纸张承载的不仅是文字。他们试图将一种“人类的共性”注入设计。张志奇便是其中之一。从事书籍设计20余年，他斩获过银奖“中国最美的书”“中国出版政府奖·装帧设计奖”“中国书籍设计艺术展”金奖等多项业内奖项。11月，他设计的《古版年画丛谭》《东三北二：忆起一段城市漫步》刚刚获得“最美的书”称号。
<正>“好的书籍设计就是要尊重书的本性，雅致而朴实、内敛而含蓄、温润而不生涩。”瀚清堂设计公司创始人，也是40多次“最美的书”获得者赵清说。书籍设计是平面设计的一个分支，也是一门兼具综合性与传统性的学科，其范畴覆盖平面设计的各个维度—从概念设定到形式表现，从字体设计到版面布局，从图文编排到色彩搭配，从纸张甄选到装帧工艺，从印制管控到工艺落地。它与其他平面设计最核心的区别，在于需精准拿捏纸本载体历经千年沉淀的质朴文雅的文本气韵。
<正>伦敦设计博物馆的年度项目“PLATFORM”，以贝珊??劳拉??伍德（Bethan Laura Wood）的个人展览拉开帷幕。展览以“欲望”“装饰”“超现实”为脉络，集结贝珊70余件涵盖家具、装置、珠宝的作品及创作过程档案，系统呈现了其十余年的设计演进。从“器物”到“镜像”的核心转向，是贝珊创作的关键突破：她挣脱了器物实用属性的束缚，将色彩与材质转化为叙事媒介，使设计成为承载数字时代文化心态、感知逻辑的具象镜像。
<正>苏黎世国家博物馆（Landesmuseum Zürich）前不久推出的展览“配饰：欲望之物（Accessories:Objects of Desire）”，将时尚文化研究的目光从全套的服装，转移到长期作为服饰附属物的配饰上。展览试图梳理日常琐碎装饰物背后系统性的设计机制，并将其作为分析社会、政治与身份认同的文化史证据。展览汇集200余件物品，时间跨度约四个世纪，展示了帽子、围巾、手套、包袋、鞋履、扇子、手杖等配饰，探讨配饰如何在不同语境中参与身份的建构与社会秩序的维持，又是如何成为社会变革的场域。展览以配饰为切入点，审视人与物质世界的关系，书写关于“我们是谁”以及“我们渴望成为谁”的故事。
<正>“我的作品通过传承祖先技艺，借由配饰设计构想未来新境，以此传递非洲未来主义精神。”—道里安·弗莱彻“道里安·弗莱彻：非洲未来主义珠宝”展于近期在纽约艺术与设计博物馆（Museum of Arts and Design）举办。展览聚焦道里安·弗莱彻（Douriean Fletcher）运用黄铜、黄金、贝壳及半宝石等材料打造的具有雕塑风格的作品，深刻探讨了黑人身份认同、灵性主义及非洲未来主义等主题。从弗莱彻的声明中我们可以了解到，她的每件作品都是连接非洲宇宙观的通道，是回荡在非洲本土能量的、灵魂深处的渴望，以作品轻叩灵魂，唤醒沉睡于血脉深处的记忆，迸发出跨越时空的灵性力量与永恒的自由渴望。
<正>在瑞士建筑博物馆近期举办的“为生活而生活:瑞士住房合作社作为共存实验室”(Wohnen fürs Wohnen:Swiss Housing Cooperatives as a Laboratory for Coexistence)展览中,住房合作社(Housing Cooperatives,德语Wohngenossenschaften)这一长期被学界忽视的居住模式被置于聚光灯下。巴塞尔及周边地区是瑞士早期住房合作社的中心,20世纪,这里诞生了弗莱多夫(Freidorf)、汉斯伯努利(Hans Bernoulli)设计的住房区,恩滕韦德社区(Entenweid)等重要建筑项目。然而,住房合作社这一概念在公众对巴塞尔的认知中却鲜为人知,此次展览正是旨在重新发掘这段常被忽视的历史。在庆祝瑞士西北部住房合作社协会成立100周年之际,展览在回顾历史的同时,重点展示了埃伦马特东区(Erlenmatt Ost)、吕斯比歇尔南区(Lysbüchel Süd)、西费尔德(Westfeld)等新建项目,讨论合作模式如何持续为应对当今的住房挑战提供创新解决方案。
<正>“建筑的价值，源于对场地与时空的精准回应。这种回应，既承载着我们当下对问题的思考逻辑，更需要以足够的思考深度，给出与之匹配的解答。”北京景山东路东侧有一条三眼井胡同，其名由来已久。清代此地开凿了一口拥有三个井孔的水井，因水质清甜，这口井曾被用作皇城内的备用井。朱小地工作室的井JING×胡同美术馆项目，便坐落于三眼井胡同以南一条长60米的尽端式胡同内。团队依据从1750年《乾隆全图》到当代的多时期地理与历史资料，对这些四合院进行翻建更新。“一砖一瓦”入口装置、“井JING”和“胡同美术馆”三个空间通过建筑与艺术语言延续历史记忆，使当代人得以真切触摸老城的人文温度与传统智慧。
<正>在科学技术，特别是人工智能领域高速发展的当下，艺术与科技融合（简称“艺科融合”）可以说是艺术演进过程中一次重要的跃迁，而我们正处在这个突破的当口。从技术赋能到认知范式的重塑，艺科融合不仅仅是工具性的辅助、协作，更是艺术创作的合作者、共生者。它打破了感性直觉与理性逻辑的壁垒，通过算法、数据、系统性思维进行创作，建构起新的艺术创作维度。在这个维度里，有沉浸式的感知现场，有信息转化或数据可视化的视觉叙事，也有行为数据演化的交互共创。艺科融合正推动着一场艺术创作的抉择和探讨—是单纯的科技辅助艺术的表达，还是科技伦理与人文价值的博弈？在技术主导的风险面前，艺术家们应该如何保持自身的思辨和批判精神？感性与理性如何辩证统一，将影响我们理解世界和表达自我的方式；最终会指向怎样的一幅图景，便是当下思考艺科融合的关键。
<正>如果你最近走进上海西岸美术馆的展厅，可能会产生一种错觉：这里没有不可触碰的宏大油画和崇高雕塑，取而代之的是一些零零散散、难以归类的物件—旧皮箱、发霉的面包模型、涂白的普通椅子、打印着奇怪指令的卡片，甚至还有关于“如何摔倒”的录像。这里真的正在严肃地举办一场美术馆级别的大展吗？实际上，这正是“偶然！激浪派！”（Fluxus, by Chance!）的展览现场。作为西岸美术馆与蓬皮杜中心五年合作项目的最新重磅特展，这场展览像是一个玩笑，策展人费雷德里克·保罗（Frederick Paul）用200余件作品，将20世纪最离经叛道、最难以定义的艺术运动—激浪派，打包“空降”到了2025年的上海。
<正>20世纪90年代的中国艺术界，摆脱了80年代“文化寻根”与“历史反思”的宏大叙事，开始转向对个体生存状态的观照。这一转向植根于当时中国社会的颠覆性变革—20世纪最后20年，中国从经济模式到政治体制、从生活方式到社会形态均发生巨大的变化，文学批评家陈思和便将20世纪90年代界定为中国社会从“共名”时代向“无名”时代的过渡阶段。商业文化的兴起与社会分层的加剧，让原本主流的价值取向和规范不再完全适用，此前那种以群体力量积极构建文化共识的叙事逐渐淡化，个体困惑成为普遍的集体心理，艺术领域亦陷入价值混乱的失序状态。在此背景下，部分艺术家以极致化的个体情绪表达，解构宏大叙事，转而以具象化的个体符号重构人与社会、历史的对话。1992年，北京郊区一座由庙宇改建的博物馆中，方力钧与刘炜的联合展览首次将“玩世现实主义”带入公众视野，批评家栗宪庭为这批作品贴上的“泼皮”标签，既精准概括了作品中人物的精神状态，更成为解读转型期集体心理的切口。
<正>在西方神话故事中，有一对看似对立却有着统一精神内涵的神—日神和酒神。日神是太阳神阿波罗，形象尽善尽美，代表秩序与理性，是光明与积极能量的象征。酒神叫狄奥尼索斯，性格恣意放纵，代表直觉与感性，有着追求自我、直面自身情感的精神核心。尼采在《悲剧的诞生》中提出“日神精神”和“酒神精神”两种美学类型，这对艺术领域的二元分析模型产生了重要且深远的影响。至今，无论是创作还是欣赏，我们都能从中找到驱动力和解释框架。“日神精神”和“酒神精神”看似对立，实则融合，在日神的可观照形象之下，潜藏着对本质的酒神式洞察，折射出艺术的光芒。
<正>在人工智能快速演进的时代，艺术的边界正在被重新定义。AI不仅是一种生产力工具，更是一种新的“艺术语言”—它让人类的想象力得以具象化、可视化与共享化，让艺术从少数人的特权变成多数人的权利。AI时代的创意边界与艺术的再定义A I与艺术的交汇并非一个“外行闯入”的故事，而是一场技术与美学的深层次融合。十多年来，APUS作为一家全球化的人工智能企业，已服务超过24亿海外用户，产品覆盖教育、医疗、智慧城市、金融等多个领域。
<正>本文着眼于工业设计视角，围绕“家庭服务机器人的进化：从工具到伙伴”这一主题，系统讨论技术、设计与需求如何共同推动家庭服务机器人从完成单一家务功能的“工具”，向理解场景、提供情绪价值并融入家庭生态的“伙伴”转变。以Roborock G30 Space为例，结合国内产业发展现状、生活场景需求，提出家庭服务机器人未来的进化方向并非功能无限堆叠，而是将被动执行内化为有限制的主动解决问题，把操作和认知成本降到最低，从而实现科技普惠。
<正>当下，AI几乎已经成为每个人生活的一部分。它深入我们的日常，也进入创意生产的核心。AI不再只是提高效率的技术工具，而是逐渐成为创作过程中的“共创者”，带来一种新的思维方式，重塑我们理解、判断与想象的方式。
<正>随着具身认知理论与多模态交互技术的深度融合，叙事学正经历一场从“离身”到“具身”的范式革命。本文旨在提出构建“具身交互叙事”的理论框架与实践范例。研究首先从哲学与认知科学根源论证其范式转向的必然性，并提出“具身性—交互性—智能性—叙事性”四维融合的核心模型。进而，通过身体图式与叙事结构映射、手势姿态与叙事语义分析、力效与叙事话语采集等一系列实证研究，量化揭示了身体行为与叙事建构的内在关联。
<正>鲁斯·阿萨瓦：回顾展2025.10.19-2026.02.07|纽约现代艺术博物馆展览通过约300件作品，全面呈现艺术家60余年艺术生涯成果—从享誉艺坛的金属丝线雕塑、青铜铸造到纸本画作，系统性地展示她艺术实验与内观的紧密关联。作为艺术家逝世后的首次大型回顾展，本展致敬阿萨瓦如何将材料与物件持续转化为观照对象，从而消解抽象与具象、主体与背景、虚与实之间的固有界限。
<正>近期，太原“倒立马”雕塑方言谐音争议，与云南荒野之国“人体蜈蚣”雕塑风波接连引发热议。两起事件虽发生在不同地域，场景各异，却共同指向公共艺术创作的核心命题—当艺术表达进入公共空间，如何平衡创作自由与大众审美，把握地域文化适配性与公共接受度的边界。